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建立良好的混音概念 笔记
今天翻到以前看公开课视频做的笔记了，分享一下，视频地址也附上。
https://www.bilibili.com/video/BV1aW411T7Zp?p=38
https://www.bilibili.com/video/BV1aW411T7Zp?p=39
1.混音是在多轨录音出现以后才产生的，混音是录音的延续。
2.没有足够的录音经验，是很难把混音做好的，会越混越浑。
3.混音师管理的是音色，平衡很多音色的音量大小，空间，纵深。
4.管理最重要的一个原则就是有头绪，有主、有次。
5.不要一上来就抓住一个鸡毛蒜皮的东西，使劲调。（比如风铃，因为即使忘记混它，对音乐的整体也没什么影响。）
6.科学的混音步骤：主要问题→次要问题→细节，把这三步抓住了，混音起码是及格的。
7.混音第一步：音量的平衡。
8.音色怎么调，什么氛围，是由音乐风格决定的。
9.了解清楚创作者们想要表达的音乐感觉，这是最重要的。（比如对方要Bules感觉的，结果你做成重金属，就算混的再好也没用。）
10.从歌曲A段开始着手混音，因为B段有时候增加的一些音色，都是在A段的基础上得来的。
11.前奏完了，进唱的时候，让人觉得这个唱更好听了，这就是一个好的前奏。
如果你前奏做的特别好听，结果一进唱觉得很难听，这就不职业了。
因为找你来帮我编曲，就是为了掩盖我的缺点，让你的编曲显得我更好。（这个因人而异）
12.间奏：A段B段完了之后，接着又要重复A段B段，人的天性是要追求新鲜刺激的，所以来个间奏放松新鲜一下，承上启下。
13.尾奏：情绪的继续延伸。
14.A段的声部少，音色少，所以很快我们就能抓住主题。
15.B段以失真的电声的为主，就偏摇滚；以钢琴和弦乐为主，就偏流行。
要确定以哪段为主，就看看前面和后面，从A段延续过来。
它至少能提供你一些参考。
16.混音时的ABCD段，和编曲时的分段不完全一样。
17.箱琴摆在了左边（排队比你矮，靠左看得清），人声加了个混响（H-Reverb）
18.在混音中掌握“动态的平衡”，比如左边有声，右边与左边呼应，这也是一种平衡，一首音乐不可能从头到尾都绝对的平衡。
19.有些同学一开始打开混响就使劲调节参数，想要把人声调的好听，这就是只抓住了细节。
你对这个音乐还没有理解呢，只有大的框架结构已经确定了，这个时候出来的细节才真正叫细节。
20.B段新增了一轨电吉他，这时候我们可以很泰然地把这电吉他放在极右。
有时候混音也要给人造成一种期待感，也就是“吊胃口”，因为吉他只出现在一边，就会老觉得另一边需要些什么，
等你盼望着盼望着，它终于出来了，这时候你就会有种满足感。
21.B段还新增了一轨PAD，这个音色它属于色彩，就好像我们穿西装，胸前别了一朵小花。
所以千万不要在这个时候去纠结这个PAD到底该怎么调整，小心这个时候你又陷入了细节的陷阱。
在这个时候，你就算不开这个轨道，也无所谓，也不会有很大的损失。你要尊重每一个音色，但是要有一个先后的次序。
22.这时候我们听完了这首的A段B段，我们就确定了他的大概框架，是鼓贝斯箱琴。
接下来来的东西，它们的功能性，都会弱于这几个音色。主次的概念始终要明显。
如果我们的分析与编曲的想法不一样，那么再去改正。
23.现在很多同学在混音的时候，希望每个音色都听的清清楚楚，就跟我们录音的时候听到的一样，这肯定是不可能的。
24.音量的平衡是永远都在变化的，不是说调整一次就不能改了，我们连贯着再听一遍，看看是否符合这个音乐的感觉。
25.如果我们在间奏前找到感觉了，那么在间奏后一般不会有大的变动，除非有一些做的比较特别，喜欢出奇出怪的。
26.间奏完以后的AB段加了一个Organ和自己唱的一个伴唱，箱琴，钢琴。
伴唱不适合和主唱分得很清楚，它的目的就是要附着在主唱身上，不要特别清晰，所以它依然放在中间。
箱琴来了一些对话似的副旋律，这时候我们把它极右。
27.Organ和钢琴的主次问题，从前面再听一听，能得出答案。
钢琴是Solo，虽然它音量比较小，但是它给你的刺激是要强于Organ的。
28.在初步平衡完成之后，我们可以休息半小时，再回来以纯粹的一个音乐的角度去听它。
这个时候你还会找出一些之前在做平衡的时候做得不太到位的地方，继续再做。
29.在音乐（量）的平衡做完之后，要做的就是“音色的平衡”。180~1000Hz，这是很多乐器最主要的基频范围。
每一个声音它们要表现出来的音乐性，我们都要给它足够的空间，同时，它又不能抢占别人的空间，不要让它们打架。
对于歌曲来说，最为重要的是，它不能抢占人声的空间。音色的平衡中，也是有主次之分的。
30.在之前的AB段里，我们确认了，鼓，箱琴，贝斯，人声，它们是主要的框架，那么我们就先找这四个音色之间的平衡关系，
我们发现底鼓电平挺大，贝斯也是挺大，所以在这个时候，我们要让箱琴不要太低沉，让它往高走一点。（左右，前后，高低）
31.左右：声像 前后：远近（高频，音量） 高低：低频多它就沉下来
32.如何找EQ上的点：我们人耳对于频率增多感觉比较明显，对频率减少感觉不明显。
所以我们先提升，然后找到了再衰减。Q值越宽，声音感觉越顺，Q值越窄，声音的缺陷感越强。
所以在粗混的时候，我们的Q值不宜太窄。
33.箱琴衰减了中低频之后，它反而显得更清楚了。
因为它和贝斯之间分得更开了（高了），还有就是我衰减的这一点，它和人声也是冲突的。
150~200Hz，略微多了会有一种丰满温暖的感觉，过多了就会浑浊。所以我们把它稍微衰减一点。
34.在我们混音的时候，音色之间要互相让，而不是互相挤。
在一个声音出不来的时候，我们不是从它身上想办法，而是要从它的旁边——别人身上想办法，给它让出一个空间来。
35.底鼓和贝斯都很肥，就会搅合不清。在现代四大件的混音中，底鼓和贝斯的关系最难处理。
如果底鼓和贝司处理好了，那么基本上就及格了。它虽然只有两个音色——底鼓和贝斯，但是很难做。
虽然中声部有无数的乐器，但是那些音色，有时候我们EQ动一点，那感觉特明显。但是Bass你动它，没什么感觉。
而且这两个乐器的频率就集中在200Hz以下，会感觉无从下手。
36.我们没有办法让贝斯硬一点，那么就让底鼓硬一点。不是说提升它硬度的地方，（底鼓低音硬度：110~120Hz）
而是切它很低的那个低频，把它的那个温温的，肥的东西弄掉。（切了底鼓的40Hz以下）那这时候就只剩Bass站在那肥了。
这时候就是我们说的“Bass又有层次，又能包着底鼓”，当然这感觉比较微妙，不会像刚才做吉他那么明显。
37.很多的混音师喜欢一上来就做人声，我认为流行歌的人声越有特点，他就越能流行。
我们尽量的保持人声原来的风格，不去动它，而去让别的乐器的音色去融合它，去和它贴近。
然后到了最后，我再在人声动一些EQ，这时候稍微动一点就会特别明显。
所以在音色的平衡上，我觉得最重要的第一个是底鼓和贝斯的问题，另外一个就是箱琴的上下和空间的位置。
这两点你做好了以后，就是解决了一个大问题了。
38.混音时一定要注意歌词，歌词它能够给你最直接的信息，音乐它给你的信息比较抽象，它不具体。
《寂寞红尘》这个歌名略微带有一点超现实的感觉，而且是个Demo，乐器很少。
在乐器很少的时候，我们就希望把这整个空间能做的丰满起来，而不让它显得太单调。
又由于它略微带有超现实感觉的歌词，所以我们可以把很多音色做的迷幻一点，空灵一点。
所以前奏的电琴小旋律（solo），我们把它做一个延时的处理。这个延时不一定要在节拍里面，我们把延时的声音做的怪一点。
又由于延时的声音在左边出来，而左边有已经有了个箱琴，那么我们希望把延时的声音靠后一点，所以我们要切一切延迟的高频。
再加点混响，显得浪漫一点。前面比较干净，突然出现一个大效果的东西，这是一种对比，然后一会儿又会落下来，就进入唱。
我们想要吸引人的注意力，就得老有新花样，要去刺激他。人对声音没有记忆感，你稍微刺激一下又回来，他不会觉得烦。
前奏的前面是一种比较孤独的感觉，比较冷。
39.同一个声音，声音大的时候靠前，声音小的时候靠后。
为什么我们很多音色要加压缩呢？因为我们要想这个音乐显得有层次，把这个音色安排在最前面，把那个音色安排在后面，
把那个音色安排在最后面，这是三个层次。如果这个音色它经常一会儿靠前一点，一会儿又靠后一点（就是音量一会大一会小）
那么就没有层次感了，就因为它一个人，就显得大家没有层次感了。所以我需要加一个压缩限制它的动态，但不能限制的太死，
就是始终在这个范围内，轻微的活动。所以每一个音色我们都给它动态的限制，它就始终在它这个位置，不会到处乱跑。
在这种有纪律的框架下，我再想让某个音色动起来，它就会显得特别明显了。压缩器不要轻易用，它是约束声音的。
这是压缩器的其中一个功能，还有很多别的。
40.就是要让伴唱没有感情，毫无起伏，你伴唱有感情主唱就失色了。就好像我们很多女孩子结婚的时候，找伴娘不能找太漂亮的。
这个伴唱呢，频率可以做的很窄，主要是中低频要去掉一些。很窄呢，它能够出来，音量还能拉小，不影响主唱，还能听得更清楚。
伴唱它那个200~400Hz之间，它和主唱是一模一样的，它就很容易顶着主唱。伴唱本来是在后面给主唱帮忙的，不能老顶着它。
所以我们做个EQ衰减，让伴唱的声音在主唱上面，如果旁通掉EQ，主唱的声音就不清晰了。
41.你加的乐器越多，你给出去的空间就越多，给人声的空间就越小。欧美那些磁带，一到副歌，人声就退到后面去了，让乐队在前面。
你副歌要想有震撼力，就要人多啊。你一个喊破嗓子了你也是一个人，你十个人轻轻地emmm，他也觉得很有气势。
所以到副歌的时候，乐队得起来，他才有气势，才有震撼力。
42.我们想让伴唱的声音飘在空中，离我远，而且还不要有太多混响的感觉，
如果我们想让一个声音模模糊糊不清晰的时候，它传到我们耳朵里的时候，就需要有很多反射声，如果只有直达声，它就是很干净的。
给人声加一个房间的感觉，是静止反射声，而不要多次反射声（就是混响声）。单独加觉得很奇怪，在音乐里合起来就不会觉得了。
这首歌的乐器很少，乐器很少呢，我就想尽量的把每个声音的体积做得更大一点。
43.声音互相避让有很多方法，这里呢，Organ把它做成一个面，钢琴居中，它颗粒感比较强，面再大也掩盖不了钢琴。
怎么做一个面呢？做一个假立体声，还是把它做一个延迟，做一个很短的延迟，他就有点“开”了。
44.唱一些无意义的词的时候，我们可以让它更迷幻，稍微有一点动，飘来飘去的。
这个时候就是我们平常见到比较“怪”的那些插件，它就可以用上了。
然后还要加个延时，让它后面的尾巴拖得更多更长一些。这个延时呢，最好是跟着节奏走，还要有很多的反馈。
45.我这块为什么把它做的这么迷幻呢？是因为它后面是一个特别重的东西，就是大失真。这样就能找刺激，找对比。
到了快结束了，我们把那个效果特夸张的吉他，回归到它一个真实的状态。为什么呢？
因为他最后有一个海的自然音效，这些乐器的声音，都是在自然音效的背景之下。
如果这个时候吉他还是特别夸张的表现方式的话，主题就不清晰了，海的那种宁静自然的感觉，就出不来了，两人的感觉就冲突打架了。
46.到最后我可能有些想法需要更细致调整，有些想法可能就不要了。
品质在于细节，但是细节在最后。细节只占20%，前面80%都是一些大框架的东西。
只有那些大框架的东西确定以后，这些小细节，它才冒出来，才有意义，才是有效果的。
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1.混音是在多轨录音出现以后才产生的，混音是录音的延续。
2.没有足够的录音经验，是很难把混音做好的，会越混越浑。
3.混音师管理的是音色，平衡很多音色的音量大小，空间，纵深。
4.管理最重要的一个原则就是有头绪，有主、有次。
5.不要一上来就抓住一个鸡毛蒜皮的东西，使劲调。（比如风铃，因为即使忘记混它，对音乐的整体也没什么影响。）
6.科学的混音步骤：主要问题→次要问题→细节，把这三步抓住了，混音起码是及格的。
7.混音第一步：音量的平衡。
8.音色怎么调，什么氛围，是由音乐风格决定的。
9.了解清楚创作者们想要表达的音乐感觉，这是最重要的。（比如对方要Bules感觉的，结果你做成重金属，就算混的再好也没用。）
10.从歌曲A段开始着手混音，因为B段有时候增加的一些音色，都是在A段的基础上得来的。
11.前奏完了，进唱的时候，让人觉得这个唱更好听了，这就是一个好的前奏。
如果你前奏做的特别好听，结果一进唱觉得很难听，这就不职业了。
因为找你来帮我编曲，就是为了掩盖我的缺点，让你的编曲显得我更好。（这个因人而异）
12.间奏：A段B段完了之后，接着又要重复A段B段，人的天性是要追求新鲜刺激的，所以来个间奏放松新鲜一下，承上启下。
13.尾奏：情绪的继续延伸。
14.A段的声部少，音色少，所以很快我们就能抓住主题。
15.B段以失真的电声的为主，就偏摇滚；以钢琴和弦乐为主，就偏流行。
要确定以哪段为主，就看看前面和后面，从A段延续过来。
它至少能提供你一些参考。
16.混音时的ABCD段，和编曲时的分段不完全一样。
17.箱琴摆在了左边（排队比你矮，靠左看得清），人声加了个混响（H-Reverb）
18.在混音中掌握“动态的平衡”，比如左边有声，右边与左边呼应，这也是一种平衡，一首音乐不可能从头到尾都绝对的平衡。
19.有些同学一开始打开混响就使劲调节参数，想要把人声调的好听，这就是只抓住了细节。
你对这个音乐还没有理解呢，只有大的框架结构已经确定了，这个时候出来的细节才真正叫细节。
20.B段新增了一轨电吉他，这时候我们可以很泰然地把这电吉他放在极右。
有时候混音也要给人造成一种期待感，也就是“吊胃口”，因为吉他只出现在一边，就会老觉得另一边需要些什么，
等你盼望着盼望着，它终于出来了，这时候你就会有种满足感。
21.B段还新增了一轨PAD，这个音色它属于色彩，就好像我们穿西装，胸前别了一朵小花。
所以千万不要在这个时候去纠结这个PAD到底该怎么调整，小心这个时候你又陷入了细节的陷阱。
在这个时候，你就算不开这个轨道，也无所谓，也不会有很大的损失。你要尊重每一个音色，但是要有一个先后的次序。
22.这时候我们听完了这首的A段B段，我们就确定了他的大概框架，是鼓贝斯箱琴。
接下来来的东西，它们的功能性，都会弱于这几个音色。主次的概念始终要明显。
如果我们的分析与编曲的想法不一样，那么再去改正。
23.现在很多同学在混音的时候，希望每个音色都听的清清楚楚，就跟我们录音的时候听到的一样，这肯定是不可能的。
24.音量的平衡是永远都在变化的，不是说调整一次就不能改了，我们连贯着再听一遍，看看是否符合这个音乐的感觉。
25.如果我们在间奏前找到感觉了，那么在间奏后一般不会有大的变动，除非有一些做的比较特别，喜欢出奇出怪的。
26.间奏完以后的AB段加了一个Organ和自己唱的一个伴唱，箱琴，钢琴。
伴唱不适合和主唱分得很清楚，它的目的就是要附着在主唱身上，不要特别清晰，所以它依然放在中间。
箱琴来了一些对话似的副旋律，这时候我们把它极右。
27.Organ和钢琴的主次问题，从前面再听一听，能得出答案。
钢琴是Solo，虽然它音量比较小，但是它给你的刺激是要强于Organ的。
28.在初步平衡完成之后，我们可以休息半小时，再回来以纯粹的一个音乐的角度去听它。
这个时候你还会找出一些之前在做平衡的时候做得不太到位的地方，继续再做。
29.在音乐（量）的平衡做完之后，要做的就是“音色的平衡”。180~1000Hz，这是很多乐器最主要的基频范围。
每一个声音它们要表现出来的音乐性，我们都要给它足够的空间，同时，它又不能抢占别人的空间，不要让它们打架。
对于歌曲来说，最为重要的是，它不能抢占人声的空间。音色的平衡中，也是有主次之分的。
30.在之前的AB段里，我们确认了，鼓，箱琴，贝斯，人声，它们是主要的框架，那么我们就先找这四个音色之间的平衡关系，
我们发现底鼓电平挺大，贝斯也是挺大，所以在这个时候，我们要让箱琴不要太低沉，让它往高走一点。（左右，前后，高低）
31.左右：声像 前后：远近（高频，音量） 高低：低频多它就沉下来
32.如何找EQ上的点：我们人耳对于频率增多感觉比较明显，对频率减少感觉不明显。
所以我们先提升，然后找到了再衰减。Q值越宽，声音感觉越顺，Q值越窄，声音的缺陷感越强。
所以在粗混的时候，我们的Q值不宜太窄。
33.箱琴衰减了中低频之后，它反而显得更清楚了。
因为它和贝斯之间分得更开了（高了），还有就是我衰减的这一点，它和人声也是冲突的。
150~200Hz，略微多了会有一种丰满温暖的感觉，过多了就会浑浊。所以我们把它稍微衰减一点。
34.在我们混音的时候，音色之间要互相让，而不是互相挤。
在一个声音出不来的时候，我们不是从它身上想办法，而是要从它的旁边——别人身上想办法，给它让出一个空间来。
35.底鼓和贝斯都很肥，就会搅合不清。在现代四大件的混音中，底鼓和贝斯的关系最难处理。
如果底鼓和贝司处理好了，那么基本上就及格了。它虽然只有两个音色——底鼓和贝斯，但是很难做。
虽然中声部有无数的乐器，但是那些音色，有时候我们EQ动一点，那感觉特明显。但是Bass你动它，没什么感觉。
而且这两个乐器的频率就集中在200Hz以下，会感觉无从下手。
36.我们没有办法让贝斯硬一点，那么就让底鼓硬一点。不是说提升它硬度的地方，（底鼓低音硬度：110~120Hz）
而是切它很低的那个低频，把它的那个温温的，肥的东西弄掉。（切了底鼓的40Hz以下）那这时候就只剩Bass站在那肥了。
这时候就是我们说的“Bass又有层次，又能包着底鼓”，当然这感觉比较微妙，不会像刚才做吉他那么明显。
37.很多的混音师喜欢一上来就做人声，我认为流行歌的人声越有特点，他就越能流行。
我们尽量的保持人声原来的风格，不去动它，而去让别的乐器的音色去融合它，去和它贴近。
然后到了最后，我再在人声动一些EQ，这时候稍微动一点就会特别明显。
所以在音色的平衡上，我觉得最重要的第一个是底鼓和贝斯的问题，另外一个就是箱琴的上下和空间的位置。
这两点你做好了以后，就是解决了一个大问题了。
38.混音时一定要注意歌词，歌词它能够给你最直接的信息，音乐它给你的信息比较抽象，它不具体。
《寂寞红尘》这个歌名略微带有一点超现实的感觉，而且是个Demo，乐器很少。
在乐器很少的时候，我们就希望把这整个空间能做的丰满起来，而不让它显得太单调。
又由于它略微带有超现实感觉的歌词，所以我们可以把很多音色做的迷幻一点，空灵一点。
所以前奏的电琴小旋律（solo），我们把它做一个延时的处理。这个延时不一定要在节拍里面，我们把延时的声音做的怪一点。
又由于延时的声音在左边出来，而左边有已经有了个箱琴，那么我们希望把延时的声音靠后一点，所以我们要切一切延迟的高频。
再加点混响，显得浪漫一点。前面比较干净，突然出现一个大效果的东西，这是一种对比，然后一会儿又会落下来，就进入唱。
我们想要吸引人的注意力，就得老有新花样，要去刺激他。人对声音没有记忆感，你稍微刺激一下又回来，他不会觉得烦。
前奏的前面是一种比较孤独的感觉，比较冷。
39.同一个声音，声音大的时候靠前，声音小的时候靠后。
为什么我们很多音色要加压缩呢？因为我们要想这个音乐显得有层次，把这个音色安排在最前面，把那个音色安排在后面，
把那个音色安排在最后面，这是三个层次。如果这个音色它经常一会儿靠前一点，一会儿又靠后一点（就是音量一会大一会小）
那么就没有层次感了，就因为它一个人，就显得大家没有层次感了。所以我需要加一个压缩限制它的动态，但不能限制的太死，
就是始终在这个范围内，轻微的活动。所以每一个音色我们都给它动态的限制，它就始终在它这个位置，不会到处乱跑。
在这种有纪律的框架下，我再想让某个音色动起来，它就会显得特别明显了。压缩器不要轻易用，它是约束声音的。
这是压缩器的其中一个功能，还有很多别的。
40.就是要让伴唱没有感情，毫无起伏，你伴唱有感情主唱就失色了。就好像我们很多女孩子结婚的时候，找伴娘不能找太漂亮的。
这个伴唱呢，频率可以做的很窄，主要是中低频要去掉一些。很窄呢，它能够出来，音量还能拉小，不影响主唱，还能听得更清楚。
伴唱它那个200~400Hz之间，它和主唱是一模一样的，它就很容易顶着主唱。伴唱本来是在后面给主唱帮忙的，不能老顶着它。
所以我们做个EQ衰减，让伴唱的声音在主唱上面，如果旁通掉EQ，主唱的声音就不清晰了。
41.你加的乐器越多，你给出去的空间就越多，给人声的空间就越小。欧美那些磁带，一到副歌，人声就退到后面去了，让乐队在前面。
你副歌要想有震撼力，就要人多啊。你一个喊破嗓子了你也是一个人，你十个人轻轻地emmm，他也觉得很有气势。
所以到副歌的时候，乐队得起来，他才有气势，才有震撼力。
42.我们想让伴唱的声音飘在空中，离我远，而且还不要有太多混响的感觉，
如果我们想让一个声音模模糊糊不清晰的时候，它传到我们耳朵里的时候，就需要有很多反射声，如果只有直达声，它就是很干净的。
给人声加一个房间的感觉，是静止反射声，而不要多次反射声（就是混响声）。单独加觉得很奇怪，在音乐里合起来就不会觉得了。
这首歌的乐器很少，乐器很少呢，我就想尽量的把每个声音的体积做得更大一点。
43.声音互相避让有很多方法，这里呢，Organ把它做成一个面，钢琴居中，它颗粒感比较强，面再大也掩盖不了钢琴。
怎么做一个面呢？做一个假立体声，还是把它做一个延迟，做一个很短的延迟，他就有点“开”了。
44.唱一些无意义的词的时候，我们可以让它更迷幻，稍微有一点动，飘来飘去的。
这个时候就是我们平常见到比较“怪”的那些插件，它就可以用上了。
然后还要加个延时，让它后面的尾巴拖得更多更长一些。这个延时呢，最好是跟着节奏走，还要有很多的反馈。
45.我这块为什么把它做的这么迷幻呢？是因为它后面是一个特别重的东西，就是大失真。这样就能找刺激，找对比。
到了快结束了，我们把那个效果特夸张的吉他，回归到它一个真实的状态。为什么呢？
因为他最后有一个海的自然音效，这些乐器的声音，都是在自然音效的背景之下。
如果这个时候吉他还是特别夸张的表现方式的话，主题就不清晰了，海的那种宁静自然的感觉，就出不来了，两人的感觉就冲突打架了。
46.到最后我可能有些想法需要更细致调整，有些想法可能就不要了。
品质在于细节，但是细节在最后。细节只占20%，前面80%都是一些大框架的东西。
只有那些大框架的东西确定以后，这些小细节，它才冒出来，才有意义，才是有效果的。
学习了！